Classic Track: The Left Banke- Walk Away Reneé (1967)

El Amor no correspondido es algo terrible: Uno se vuelve mas sensible, vive de esa miseria sentimental, se preocupa por todo, y la paranoia y la depresión clínica están a la vuelta de la esquina. Por si esto fuera poco, estar enamorado de la pareja de tu amigo es algo peor; se vive obligadamente en el silencio, no sólo es el amor el que uno sacrifica, también hay una amistad en juego. Hay algo sorprendentemente inspirador en este particular sentimiento, un sin número de canciones, muchas de ellas inmortales, han sido creadas a partir de él. Pero ninguna canción lo ha expresado mejor que Walk Away Reneé. Escrita por Michael Brown, tecladista de The Left Banke, e inspirada en Reneé Fladen-Kamm, entonces novia del bajista Tom Finn, la pieza es, más que nada, una oda a la soledad y a la admiración secreta. Hace muchas referencias a  los lugares cotidianos por donde pasaba esta hermosa rubia, donde él la observaba, siempre desde las sombras.

La canción sería de todas formas el reflejo de una obsesión oscura, casi amenazante, si no fuera por la música: Existe una energía angelical y empática en esos arreglos orquestales que adornan la pieza, como una vestidura de cielo, acompañando en todo momento a un alma en pena. El espíritu barroco del clavicordio de Brown y la expresiva voz de Steve Martin le dan un toque elegante, sofisticado; esta no era una típica canción Pop, sobre todo cuando la escribe un todavía adolescente Brown. La canción llega al número 5 de las listas de popularidad en Estados Unidos y la banda se separa poco después de este grán éxito. Tal vez de no existir esta canción, The Left Banke hubiese durado más tiempo, pero jamás hubieran trascendido de la forma en que lo hicieron. Bien dicen que se deben sacrificar ciertas cosas para lograr esa trascendencia, a veces, incluso el amor y la amistad.

Classic Album: Flower Travellin' Band- Satori (1971)

Japón es un país que esta un paso adelante del resto del mundo en muchos aspectos, y la música de este país se ha ganado igual reputación. En muchas oportunidades se ha mencionado que, cuando un músico Japonés pone sus manos en algún instrumento, una de dos cosas puede suceder:  o dicho músico crea algo prodigioso que jamás se haya escuchado, o hace J-Pop. Por fortuna, muchas veces ha sucedido lo primero; A través de la historia han existido un número de bandas y solistas nipones que han expandido los límites de la música y nos han abierto la mente en el proceso. La escena Japonesa nos ha dado grandes exponentes e innovadores de todo estilo musical existente, y por supuesto que el Rock no es la excepción. Proveniente de Tokyo, Flower Travellin' Band era un proyecto liderado por el guitarrista Hideki Ishima, que fusionaba el Hard-Rock, la Psicodelia, la improvisación libre y el misticismo de la música de Oriente.

Esta banda no era para nada normal; Ishima era un maestro en la tecnica del Glissando, sumamente influido por la tecnica utilizada en el Sarod y la Sitar, instrumentos de la música Hindu y del Sur de Asia en general. Sus solos eran verdaderos poemas espirituales. Su manera de ejecutar los riffs era potente y ominosa, reminiscente a la de Black Sabbath (con quienes han sido comparados varias veces). Su sección rítmica era firme y poderosa, y apoyaba con precisión a las improvisaciones meditativas de Ishima. pero probablemente el rasgo más característico de esta banda era la voz de Akira "Joe" Yamanaka. Un alarido cargado de melodía, con un registro vocal increíblemente amplio, y una potencía que haría que Robert Plant corriera por su vida.

Satori, de 1971, es su segundo álbum, dividido en 5 partes, todas bajo el mismo nombre y marcado por ideas musicales similares. Un disco que a pesar de estar basado en la experiencia psicodelica y en los patrones repetitivos de la música de Oriente logra transportarnos a diversos parajes, haciendonos experimentar diferentes sensaciones, sin aburrirnos ni un solo segundo; Al contrario, su mística resulta adictiva. Satori es progresivo, denso, atmosferico, espiritual. Algo que, efectivamente, no se había escuchado antes. Creo que el único gran error sobre Flower Travellin' Band fue que le llamaban "la respuesta Japonesa a Led Zeppelin", una afirmación estúpida, nada de lo que hizo Zeppelin tuvo esta clase de poder.

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Classic Track: Os Mutantes- A Minha Menina

Tropicália, más que un movimiento musical, era un statement político; Artistas de la Joven Guardia Brasileña como Caetano Veloso, Gilberto Gil y Gal Costa estaban explorando nuevos terrenos con su música y transmitiendo sus ideas anti-dictadura a toda una generación en el proceso. Su objetivo era lograr un sonido moderno, cosmopolita, y al mismo tiempo, muy propio de Brasil, rescatando la música tradicional y renovándola. Con la llegada del Rock, y la difícil situación política en este país, llevar el pelo largo y tener colgada una guitarra eléctrica podía incluso ser considerado un acto de rebeldía. Os Mutantes, un trío psicodélico de Bahía, surge a la escena local con su radical forma de Tropicália y un extraordinario catálogo de canciones propias y nuevas versiones de clásicos de la Musica Popular Brasileira.

En 1968 participan en el disco Tropicália Ou Panis et Circensis, el manifiesto de este movimiento encabezado por Caetano Veloso, y poco tiempo después aparece su disco debut homónimo. El disco se convirtió en un clásico de culto, influenciando a varias generaciones de músicos de todas partes del mundo, desde grandes estrellas del Rock local, hasta artistas internacionales como Beck y Of Montreal. De este disco se desprende A Minha Menina, tema de Jorge Ben, una sencilla carta de amor adolescente. Con sus acordes brillantes, sus ritmos puramente brasileños, sus delirantes coros al estilo doo-wop, sus guitarras inundadas de Fuzz y una particular sensación de alegría y descubrimiento, ha sido parte de la banda sonora de nuestras vidas. Sus letras no sólo expresan un amor genuinamente puro e inocente, sino que nos dan una postal sonora de las playas de Brasil, sus colores y la suavidad de su arena. La canción fue un respiro de aire fresco en plena dictadura militar. A Minha Menina es amor, belleza y felicidad; la misma felicidad que te da el soñar con la persona que más amas en el mundo, y despertar con una sonrisa en la cara, al ver que esa persona amada esta durmiendo junto a ti.

Classic Track: Mazzy Star- Fade Into You

Los 90's fueron una época mágica: mientras sus detractores se jactan en decir que esta década fue una que hubiesemos preferido no vivir, los nostálgicos como yo vemos en ella la fuente de todo lo hermoso que tenemos ahora. Para muchos de nosotros también represento un cambio radical en la industria músical, e incluso en la forma en que la audencia mainstream concebía la música; el inicio de la década fue testigo del ascenso de la música Alternativa, gracias a MTV y a la demanda constante de esa música que sólo se tocaba en las Radios Universitarias (de aquí el término College Rock). En 1991, mientras un numeroso grupo de bandas forcejeaba para abrir la puerta al mundo comercial, Nirvana y R.E.M la tiran a patadas; Una vez abierta la puerta se desata una demanda impresionante por este sonido novedoso, honesto e independiente. El movimiento grunge conquista Estados Unidos, y sucesivamente, el mundo entero. Las disqueras más importantes de ese tiempo luchan por conseguir el "próximo Nirvana". Las cosas habían cambiado.

En 1993, en medio de esta explosión alternativa que - como todo gran movimiento que se masifica- ya rayaba en lo ridículo, aún existían algunos artístas que luchaban por mantener su integridad y seguir adelante con su música. Mazzy Star, liderada por Hope Sandoval, lanza su segundo disco So Tonight that I Might See, y con él, un modesto single, Fade Into You. Por la más extraña de las razones, este oscuro, nostálgico vals llega a las Radios y se convierte en un Hit. Esta oda al amor platónico, con todo y su oscuridad, su particular enfoque en la música pastoral, el pìano que se asoma por los rincones, el solo de pedal steel y esa voz de sirena country envuelta en eco y religión, llevó a toda una generación, hasta el cuello del grunge y del Rock más duro, de la depresión suicida a la reflexión. Su video tuvo un éxito moderado en MTV, llegando a tocar en vivo en varios de sus shows. La canción estuvo incluída en casi todas las mixtapes, y sonaba en casi todos los bailes de graduación de la época. Su melancólico poder cambió vidas, incluyendo la mía, nos inspiró a crear, a escribir, a amar y a rezar. Nos sacó de un precipicio y nos devolvió a las nubes, donde hemos vuelto a aprender el arte de volar. Mazzy Star se disolvío en 1999, pero nos dejo una lección de vida que durará por siempre.

Classic Album: Wu-Tang Clan - Enter the Wu-Tang (36 Chambers)

Fard Muhammad, El líder y fundador de la Nación del Islam, la secta libertaria afro-americana, enseñaba a su séquito que el Hombre Negro era el Hombre Original; que esta raza sería quien crease a todas las demás razas, incluyendo al Hombre Blanco, quien tendría el designio de ser la raza dominante, incluso sobre la raza original, por un período de 6,000 años, hasta que un día, la raza original vuelve a levantarse a reclamar la tierra que les pertenece por derecho. Asímismo, Malcolm X declaraba que la raza Negra era geneticamente superior a la blanca, pero que ha vivido sometida a este sistema de supremacía.

Si bien las enseñanzas de estos maestros han sido historicamente extremistas, ambos tienen, en muchos sentidos, la lógica de su lado: La economía, la política y las corrientes religiosas y filosóficas de las culturas mas influyentes, estan basadas en ese sistema de supremacia blanca, mientras que comunmente, a los habitantes no-blancos, se les relega a ser ciudadanos de segunda clase, peones, esclavos, gente que sólo esta hecha para servir a la comunidad dominante. La historia misma ha sido escrita abajo este sistema de supremacía blanca; se habla de la civilización mas influyente de la Historia (Roma), y de su principal descendiente (Europa), que siglos después se convertiría en la colonizadora del mundo entero. Durante todo este tiempo, los habitantes de la raza Negra han sido delincuentes, amenazas, subhumanos, esclavos.

A pesar del eterno infierno de esta raza, su gente ha creado la forma de expresión más rica del mundo: la música. Las tribus africanas crearon los primeros instrumentos, los primeros ritmos, las primeras melodias, y un buen día, se atrevieron a cantar. Al emigrar, su música permeo en las culturas de todo el mundo, sobre todo cuando llegan (como esclavos) al continente americano. Sus expresiones, sus alaridos, sus colores y ritmos nutrieron a todos, desde los habitantes ingleses de los apalaches, hasta las comunidades españolas del Río de la Plata. Su influencia es la piedra angular de toda la música que escuchamos en nuestros días.

Llega el siglo XX, el surgimiento de la música grabada, la música negra ha llegado muy lejos; en los años 20 sucede la explosión del jazz, y se desata la locura entre los amantes de la música. En los 40's, el Blues y sus variaciones se apoderan del mundo y se gestaría lo que en los 50 sería el movimiento musical más importante del siglo: el Rock. A pesar de los avances de la música negra, el mundo seguía sumergido en ese sistema de supremacia blanca; a la revolución de la música Negra le acompañan la segregación, la persecución, la desigualdad, y aún peor, el plagio de los músicos blancos. No sería hasta la década de los 60, en pleno ascenso de la música Soul, el movimiento de los derechos civiles y el gran cambio cultural de esos tiempos, en que la música Negra es empezada a tomar en serio, como un movimiento artístico legítimo. Los géneros músicales que vienen en las décadas siguientes reflejan una realidad de marginación, soledad y violencia, y ninguno lo ha hecho mejor que el Hip-Hop.

El año es 1993, y un brillante colectivo de raperos de New York se reúne en un estudio de grabación, tal vez sin saber que de esas sesiones saldría el logro máximo de este género. Los nombres: GZA, Method Man, Ol' Dirty Bastard, Raekwon, Inspectah Deck, Masta Killah, Ghostface Killah, U-God, todos de la mano de RZA, un productor que tiene en sus manos verdadera genialidad del Rap. Wu-Tang Clan fue creado con la intención de tener un colectivo para expresarse artísticamente, un grupo que no se fijaba límites ni metas, nadie estaba sujeto a el, y todos buscaban crecer juntos, y lanzar sus promisorias carreras solistas a la vez. Tal vez es esta la razón de su éxito, que todos los talentos funcionaban como una verdadera democracia, que sus letras sobre violencia, sobre la tensión social, el crimen, la intimidación, el rechazo, el dinero e incluso el amor funcionaban a la perfección con los samples y la brillante producción de RZA.

Enter the Wu-Tang (36 Chambers) resultó ser un enorme éxito: no sólo lanzó las carreras de todos los miembros del Clan al nivel de superestrellas, sino que impuso un antes y un después en la historia del Hip-Hop. El álbum queda en los anales de la historia como una muestra de la perfección del género. La historia no termina ahí; en los 90 el hip-hop lo había abarcado todo, los artistas de toda la década se vieron influenciados por sus beats y sus líricas. El R&B lo absorbió, llegó el Teen-Pop y lo capitalizó. Hoy en dia toda la música popular de estudio se ve afectada por su influencia. El modo de vestir de la comunidad hip-hop se volvió mainstream, y la cultura pop se adueñó de sus símbolos, su arte y su baile. Señor Muhammad, le tengo una noticia, ya no tiene que esperar mucho tiempo para que el Hombre Negro se levante y conquiste al mundo. Ya lo está haciendo.

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Classic Track: T.Rex- 20th Century Boy

Bienvenidos, damas y caballeros, al riff de guitarra más sexual de la historia. El Rock and Roll siempre ha sido una expresión pura de la sexualidad humana, desde aquellos tiempos en que los cantantes de Rhythm & Blues invitaban, con su salvaje ritmo, a movernos y acercarnos más de lo permitido en esos tiempos. Por supuesto que uno no puede olvidar mencionar esa historica presentación de Elvis Presley en Televisión, en la que su movimiento de caderas escandalizó a toda una nación; desde ese momento el Rock pasó de ser un mero estilo musical nuevo, para convertirse en un símbolo: Los adolescentes usaron esta liberadora y energética música como un vehículo de expresión, en la que la Sexualidad fue tomando cada vez un papel más importante. A mediados de los 60, la Revolución Sexual había llegado para quedarse, ahora no sólo como un ejercicio de la individualidad, sino como un statement político serio, en el que se ofrecía el amor libre y el sexo como una alternativa a la codicia, a la intolerancia y a la guerra. El verano del 1967 nos trajo lo que sería una de las Máximas Filosóficas del Siglo XX: Make Love, Not War. 

Esta filosofía influyó en toda una generación:  Un grán número de Músicos, Escritores, Pintores, Pensadores e incluso Políticos fueron producto de esta Experiencia que ha cambiado la cara del mundo los últimos 40 años. Marc Bolan, un excéntrico músico inglés forma T.Rex en este mismo 1967, interpretando una espásmica forma de música que fusionaba el Folk, el Rock y la psicodélia. Gradualmente, su música comienza a inclinarse más del lado del Rock and Roll, sus letras eran más directas y sexuales, y sus actos en vivo (en los cuales, la provocación era lo principal) se volvían legendarios. La apariencia de Bolan también había cambiado: empezó a utilizar maquillaje en su rostro, utilizaba ropa con distintos brillos, bufandas, botas, etc. Había nacido el Rockstar Andrógino, y de su mano, el Glam Rock.

T.Rex lanza Electric Warrior en 1971, considerado hasta ahora el mejor álbum de la banda. Tras este grán éxito, Bolan lanza una serie de sencillos previos al lanzamiento de su siguiente disco. Para Mayo de 1972, se presenta 20th Century Boy, una canción que en sólo 3:25 combina todo lo que es sensual en el Rock and en Roll: Un riff de guitarra sencillo y seductor, con mirada hacia el Blues, una letra que es una insinuación tras otra, un coro pegajoso como goma de mascar, y una gloriosa sección rítimica que - al igual que sus antecesores en la época dorada del Rhythm & Blues- nos invitan a mover y a acercarnos mucho más.


El Rock and Roll es sinónimo de Sexualidad, y al igual que en la sexualidad, todo depende de la creatividad y la mágia del momento. El resto es libre a la interpretación.

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Classic Track: The La's- There She Goes (1990)

En muchas ocasiones, la simplicidad es suficiente para generar las emociones más complejas. Para un gran artista, a veces solo requiere unos 3 acordes, un ritmo simple y una melodia infecciosa para poder hacer una pieza memorable, que sobreviva a todas las pruebas del Tiempo. Lee Mavers era un joven de Liverpool con un catálogo de muy buenas canciones bajo la manga cuando forma The La's con unos amigos de la escuela. El estilo de composición de Mavers llama mucho la atención; sus acordes recuerdan a The Byrds, a la mágia de los 60's, y sus letras hacen mucha referencia a la nostalgia, a la infancia y a la siempre inspiradora sensación de estar completamente solo en el mundo. Después de años de problemas internos y con compañías discográficas, en 1990 al fin sale su disco debut homónimo, y junto a el, un single que representaría el mayor logro de la banda, y una prueba viviente de que la música no requiere de mucho para transmitir y ser eterna. There She Goes es una canción muy sencilla, con 3 acordes principales, un coro que se repite varias veces, una bellísima guitarra arpegiada, y una letra con mucha ambigüedad, en la que uno no puede distinguir muy bien si habla de la heroína o de una mujer; pero es la melodía vocal la que sobresale entre todos estos elementos, un lamento nostálgico pero sereno, mágico y memorable, la pieza fundamental de este track, que ya tiene un lugar reservado en el Olimpo de la música Pop. Después de esto, The La's se desintegró rapidamente, y no volvió a lanzar otro álbum; Probablemente Mavers nunca volverá a escribir una canción asi de buena. Y eso está bien: A veces Una es suficiente.

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Classic Album: Roky Erickson & The Aliens- I Think of Demons (1980)

Muchas veces la industria musical es un insecto despiadado. Toman a alguien, con o sin talento, con algún tipo de atractivo popular, y facilmente lo pueden hacer estrella. La inmensa mayoría de las veces las grandes mentes de la música quedan relegadas a un segundo plano, a una escena underground, y, en el peor de los casos, quedan refundidos en la total oscuridad. Roger Kynard (Roky) Erickson no sólo batalló contra este demonio durante su carrera, sino tuvo que enfrentarse, y sin fusíl, a un ejercito de criaturas deformes e impías que viven en su mente desde hacía tiempo. Roky no sólo era un cantautor único, era también un pionero. Sus primeras pinceladas de genialidad las dio con la banda 13th Floor Elevators, un grupo que queda en la historia como el primero en utilizar el término Rock Psicodélico para definir su música. En 1966 sale a la venta su album debut, The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators, del cual se desprende el clásico You're Gonna Miss Me, una canción que encapsula perfectamente la escencia de la psicodelia, del rock de garage y que también puede servir como antecedente del Punk Rock. Dicha canción es considerada como una de las mejores canciones de los 60, el único Hit verdadero de la banda y la carta de presentación del legado de Roky. Por desgracia, y como parte de un plan macabro del universo, en los años siguientes Roky sufre un mar de adversidades; es arrestado por posesión de drogas, diagnosticado con Esquizofrenia y recluido a un sombrio Hospital Psiquiátrico donde recibe una dolorosa terapia de electroshock, que lo marcaría de por vida.

Para finales de los 70, la salud mental de Roky mejora, o al menos lo suficiente para poder valerse por si mismo e interpretar música; Pero el buen Roky nunca dejó de escribir canciones, a través de los años desarrollo una tremenda fijación por el cine de horror, las supersticiones y la ciencia-ficción. Sus canciones reflejaban situaciones surreales en donde perros de dos cabezas, martillos que cobran vida, bestias de metal que escupen fuego y seres con cerebros atómicos eran, entre otros monstruos salidos de la retorcida y genial mente de Roky, protagonistas de historias siniestras. A él se le une The Aliens, un conjunto de míusicos de su natal Texas que interpreta una singular forma de Rock, influenciado por el Hard-Rock y la psicodelia, para grabar estos temas en una serie de historicas sesiones.

La industria musical es, definitivamente, un insecto despiadado. Pero, gracias a grandes esfuerzos como el de Roky, la  genialidad verdadera siempre sale a flote. El álbum sale en 1980, y se vuelve a editar en 1987 con un recibimiento moderado, pero que serviria de gran influencia a músicos de las siguientes generaciones. I Think of Demons es un triunfo de la música, un manojo de bellas canciones que, te gusten o no las letras, dejan salir al mundo la voz del buen Roky, un gemido violento y apasionado que expresa con maestría todo el horror que ha vivido, pero siempre con la frente en alto, y con un optimismo a toda prueba.

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